Tras Escondidos en Brujas (2008), Sie7e psicópatas (2012), 3 anuncios por un crimen (2017) y Los espíritus de la isla (2022), este director londinense de origen irlandés presentó en la Mostra de Venecia (donde Malkovich ganó el premio a Mejor Actor), Telluride, Toronto, San Sebastián y ahora en la apertura del Festival de Mar del Plata su más reciente film ambientado en el Chile de 1973: “Caballo Salvaje Nueve”. El prolífico director de largometrajes como Cacería macabra, El huésped, Blair Witch: La bruja de Blair, Godzilla vs. Kong y Godzilla vs. Kong: El Nuevo Imperio propone una orgía de violencia en este film con un mínimo desarrollo dramático: “Aniquilación”. También “Ebenezer”, “Encantador”, “Como robar un banco” y “Plumas Operación Rescate” son los seis estrenos de este jueves. Aquí una selección de reseñas para elegir que ir a ver al cine. Porque el cine se ve en el cine.
“Aniquilación”
Celeste (Adria Arjona) es una veterana de guerra (en la secuencia inicial apreciamos su capacidad como francotiradora pero también las secuelas físicas que le han quedado) que (sobre)vive en condiciones más que precarias y en medio de una batalla judicial con su ex al cuidado de su pequeña hija Daisy en un asentamiento de casas rodantes en medio de una zona desértica de Nuevo México.
Por su parte, vemos también cómo unos supersoldados genéticamente modificados se escapan de quienes llevan adelante el experimento y, ya sin controles, contradicciones morales ni órdenes que cumplir, comienzan a arrasar con todo lo que se les pone enfrente. Y, claro, serán Celeste y varios compinches (algunos también veteranos del ejército) quienes deberán resistir ese arrasador paso.
El trajinado recurso del reloj que va descontando el tiempo (12 horas en este caso) es el menos obvio de los utilizados en un relato que resulta una acumulación de lugares comunes. La madre traumada y poco responsable que sacará fuerzas de donde no las tiene para defender a su hija, unos personajes secundarios algo patéticos y siempre queribles como el vecino Josiah (Reginald VelJohnson) y unos villanos neonazis sin dobleces ni matices a la hora de pensar y generar el mal.
Lo mejor pasa por la forma en que Wingard coreografía algunas secuencias, su trabajo con tomas panorámicas que aprovechan la inmensidad de los paisajes desérticos y las habituales irrupciones de humor negro que ya son parte de su sello, pero se esperaba de él -un avezado artesano de los géneros en el panorama del cine estadounidense- bastante más que este básico film de acción con aires de slasher.
En ese sentido, la ascendente Adria Arjona -cada vez más parecida a Asia Argento- cumple luego de las lúdicas Cómplices del engaño / Hit Man (2023) y Amores compartidos / Splitsville (2025) con las exigencias más físicas que expresivas que demanda su heroína de acción, pero la hija de Ricardo Arjona claramente está para bastante más que un elemental film de clase B como este remedo no demasiado inspirado del cine de John Carpenter, La masacre de Texas, Halloween, Kill Bill, Soldado Universal, RoboCop, Aliens, Depredador y Terminator.
DIEGO BATLLE. Otros Cines.
En el Monumental.
“Caballo Salvaje Nueve”
Humor negro y violencia seca; cinismo extremo en la superficie y sensibilidad en el sustrato; personajes que se odian pero en el fondo se quieren; duelos dialécticos (es el imperio de los diálogos virtuosos) y aires de thriller, de buddy movie y de western. Pueden transcurrir en Brujas (Bélgica), en Los Angeles, en un pueblo ficticio de Missouri, en una isla irlandesa o, como Caballo Salvaje Nueve, en la Isla de Pascua, pero las películas de Martin McDonagh tienen estructuras, tonos y sobre todo esencias similares. En ese sentido, nadie puede dudar de la coherencia de sus búsquedas y obsesiones autorales.
Más allá de la elección de un entorno tan particular como la Isla de Pascua con la imponente presencia de los moáis, los paisajes se asemejan bastante a los irlandeses y la relación entre el Chris de John Malkovich y el Lee de Sam Rockwell, dos agentes de la CIA que están en el Chile de 1973 como parte del plan de desestabilización al gobierno socialista de Salvador Allende, tiene varios puntos en común con las de Colin Farrell y Brendan Gleeson en Escondidos en Brujas y en Los espíritus de la isla.
El problema -o lo que al menos a mi me hizo algo de “ruido”- es la forma en que McDonagh se acerca a la realidad sociopolítica de Chile. Es cierto que no es el eje principal (desde el vamos sabemos que Chris, de 72 años, sufre de un cáncer terminal y tiene crecientes problemas de memoria por lo que el viaje a la Isla tiene algo de elegíaco), pero la forma en que se define al proceso de la Unidad Popular, el contrapunto bastante torpe con las dos jóvenes chilenas interpretadas por Mariana Di Girolamo y (la argentina) Ailín Salas o las “licencias poéticas” muy poco inspiradas y bastante caprichosas como, por ejemplo, incluir a Víctor Jara (Aron Hernandez) tocando en un bar de Rapa Nui me generaron una mezcla de distanciamiento y fastidio aún mayor que el que me suelen provocar algunas zonas del cine de McDonagh, émulo de a ratos de ese sarcasmo exacerbado y de la exaltación del patetismo de los hermanos Coen.
Sin embargo, cuando parece que el ingenioso, tragicómico, agridulce entramado de McDonagh sostendrá hasta el final ese tono tan disfrutable como superficial y efímero, el director y sus dos notables protagonistas (no aportan demasiado, en cambio, tres intérpretes de relieve como Steve Buscemi y especialmente Tom Waits y Parker Posey en sus esporádicas apariciones) consiguen momentos de auténtica, genuina densidad emocional con algo de la mejor impronta y espíritu fordiano.
DIEGO BATLLE. Otros Cines.
En Las Tipas, Cinemark, Cinépolis, Monumental y Del Centro.
“Ebenezer: Los fantasmas de Navidad”
Ebenezer: Los fantasmas de Navidad marca el regreso de Johnny Depp por la puerta grande de Hollywood. Si bien el actor de El Joven Manos de tijera nunca fue cancelado ni puesto en ninguna lista negra, digamos que le costaba conseguir un papel protagónico que encabezara una película de un estudio de los llamados majors, no del cine independiente.
Tal vez no es que Johnny haya elegido encarnar a Ebenezer Scrooge, sino que fue la única propuesta que recibió de un estudio major -Paramount, antes de la fusión con Warner Bros.- desde su sonado juicio con Amber Heard.
Como sea, Depp -que, vestido con su sombrero de copa, de entrada se parece más a El Pingüino de Batman interpretado por Danny DeVito- le pone toda la malicia con la que Charles Dickens retrató a Scrooge en Cuento de Navidad (A Christmas Carol).
Ebenezer, llamémoslo de aquí en más por su nombre de pila, es un prestamista británico avaro, odioso, rezongón y seguro tiene mal aliento. Lo conocemos la víspera de Navidad de 1836, un día “frío, desapacible, cortante y con niebla”, como se lee en la novela corta, y en el que Ebenezer pierde a su socio Marley (el gran Ian McKellen).
No es que no lo encuentra, sino que Marley cae muerto cuando va a buscar la tetera para tomar un té con ginebra.
Difícil adaptar Un cuento de Navidad y hacer muchas variaciones sin tener en el centro el espíritu del relato, incluidos los cuatro fantasmas (Jacob Marley más los de las Navidades pasadas, presentes y futuras) que visitan a Ebenezer esa Nochebuena y Navidad, siete años después. A quienes leyeron el libro o, en su defecto, vieron alguna de las muchas adaptaciones al cine incluida la animada de Robert Zemeckis con Jim Carrey (2009), saben de antemano que se trata de la historia de redención de un personaje malhumorado y que ha hecho en la vida todo lo posible para que las cosas le salgan tan mal como le salen esa Nochebuena de 1843 en su casa sombría en Londres.
Llamar al director Ti West, el que hizo las películas de horror slashers Pearl y X ya es toda una decisión. El clima de la película es particularmente sombrío, pero no como para asustar a nadie que no tenga más de 13 años -igual, no es esta película para que la vean los más pequeños, que en una de ésas salten en varios momentos de sus butacas-.
Aquí el tema es Johnny Depp. Detrás de prótesis y capas de maquillaje está el mismo intérprete que supo ser tan maleable en las manos de Tim Burton (¿no era una buena idea que la dirigiese él?), lejos de las grandilocuencias de cuando hace comedias más disparatadas, o directamente no tiene un realizador que le ponga frenos, una correa para aplacar la ampulosidad con que le gusta pasarse de rosca.
Depp hizo bien los deberes en esta película que no, no brinda nada nuevo al universo de Dickens, que no lo renueva, no innova ni transforma. Habrá que ver cómo sigue deambulando su camino en Hollywood.
PABLO SCHOLZ. Clarín.
Las Tipas, Cinemark, Cinépolis, Monumental y Del Centro.
“Cómo robar un banco”
Hollywood hizo realidad el teletransporte de Robin Hood a la era digital. O al menos se las ingenió, con la ayuda de uno de los realizadores con mayor destreza en este mundo para el cine de acción a gran escala, para mostrar que es posible aquello de “robar a los ricos para entregárselo a los pobres” en un tiempo dominado por los videos virales y la rebelión del público.
Esta película llega casi inmediatamente después de un catastrófico resultado electoral para las ideas neoconservadoras representadas por la administración de Donald Trump y hasta podría decirse que el mensaje progresista y hasta radicalizado en términos ideológicos que sugiere el relato podría haber funcionado como ariete de una campaña que cuestiona la acumulación de riqueza desmedida y la frustración de millones de personas que no pueden progresar en la escala social ni escapar de la pobreza.
A primera vista, Cómo robar un banco es el alegato anticapitalista más fuerte surgido de las entrañas hollywoodenses en los últimos tiempos. Está protagonizada por un grupo que no solo roba bancos al estilo tradicional, protegiendo sus identidades con máscaras que recuerdan a la clásica Punto límite (1991), de Kathryn Bigelow, citada más de una vez. Lo más importante de todo está en los tutoriales viralizados a través de YouTube, editados y publicados en YouTube luego, con guías y consejos para que cada uno cuando quiera “haga su propio golpe”.
Esto es lo que distingue a Cómo robar un banco del resto de las películas de robos. Y a la vez muestra la incongruencia de la propuesta. Estamos ante una producción de Amazon, cuyo dueño, el megamillonario Jeff Bezos, parece haberse convertido en el más entusiasta promotor de una suerte de convocatoria a la acción para generar un cambio sistémico.
¿Cómo lo hace? Llenando la pantalla de publicidades (product placement) y mostrando que los únicos y auténticos enemigos a derrotar, por el daño que provocan, son los bancos, una premisa de fácil y emocional potencia para generar empatía inmediata, mientras el resto de las cosas no se altera. Con frenar los abusos de los bancos en materia de préstamos y jubilaciones alcanza. No hace falta llegar tan lejos en este supuesto llamamiento que traduce la simbología anarquista al lenguaje de las redes.
Toda esta confusión se contagia al relato mismo. La arenga rupturista, ruidosa y contagiante, en un momento adopta las convenciones de los dramas personales y familiares (con algún golpe bajo incluido) que sufren personas imposibilitadas de sobrellevar situaciones adversas. Les toca interpretarlos a Pete Davidson, que se esfuerza por ser creíble como un veterano de guerra al que casi todo le fue mal, y a un llamativamente desganado Nicholas Hoult. La deriva de estos personajes frena inexplicablemente una acción que venía hasta allí cargada de intensidad y energía, para ir apagándose de a poco.
Enfrente tienen mucha más suerte el siempre espléndido John C. Reilly como agente del FBI y Zoë Kravitz, que se divierte mucho personificando a una hacker. Las preguntas que ambos se hacen sobre el estado de las cosas y las motivaciones de ambos para ponerse en el otro lado de toda esa corriente de rebeldía, sin negar sus orígenes, adquiere mucho más sentido que todo lo hecho por sus rivales.
Descolocado en el medio de una trama que de un lado cuenta con momentos visualmente atrayentes (y divertidos) y por el otro no consigue resolver el dilema de una prédica supuestamente contestataria expuesta con bastante gatopardismo desde el corazón del sistema mismo, Leitch retrocede en relación con los méritos de su excelente película previa, Profesión peligro, que no necesitaba de estos planteos alambicados y maquiavélicos para llamar la atención.
MARCELO STILETANO. Clarín.
En Las Tipas, Cinemark, Cinépolis, Monumental y Del Centro.
“Encantador”
Un pueblo chico, desapariciones enrarecidas, crímenes aberrantes y lugareños con intenciones ocultas. Son elementos que evocan a infinidad de producciones cinematográficas, con exponentes que se volvieron emblemáticos. Sin embargo, lo que distingue a cada una radica en la visión detrás de la cámara, y esa es justamente la principal virtud de Encantador.
La acción transcurre en Palacios, un pueblo apacible y anclado en otra época que esconde secretos y personajes inusuales. Allí vive Tomás (Rodrigo Noya), un joven que de día atiende un videoclub y asiste en una clínica, mientras que al regresar a su casa cuida a su madre convaleciente (Alejandra Baldoni) y fabrica muñecas en sus ratos libres. Su rutina se quiebra al conocer a Tina (Griselda Sánchez), una camarera con trastornos psicológicos con quien conecta de inmediato. Mientras el romance avanza, la desaparición sistemática de chicas jóvenes enciende las alarmas de la policía local. Sobre todo, de Porter (Alejo García Pintos), un inspector recién llegado. Al investigar, irá adentrándose en el lado más oscuro de una comunidad no tan tranquila como aparenta.
Al igual que en Sola, La sombra del gato y Lennons, el director José María Cicala vuelve a demostrar su talento para construir universos propios mezclando géneros, tonos y referencias pop. Salta a la vista el tributo a David Lynch y al Hitchcock de Psicosis, en un microcosmos ambientado entre los 70 y los 80. Aquí conviven la comedia negra y los personajes estrambóticos con un thriller que se va volviendo oscuro y retorcido. Lejos de quedarse en la mera acumulación de guiños, cada elemento cobra sentido bajo una narrativa de marcada identidad criolla.
Cicala reafirma su fascinación por los marginados y las conductas tenebrosas. En este aspecto, Noya se desmarca de sus papeles habituales para componer a un Norman Bates autóctono, capaz de resultar entrañable en una escena y atemorizante en la siguiente. Lo respalda un sólido elenco secundario, donde destacan Sánchez (también coguionista del film), García Pintos y un Arturo Puig que asume múltiples roles.
Como si Esperando la carroza colisionara de frente con La masacre de Texas, Encantador le da un giro personal al clásico tropo de “Pueblo chico, infierno grande”.
A Sala Llena.
En el Monumental.
“¡Plumas! Operación Rescate”
En el Reino de Castilia, una fuerza oscura se alza de nuevo. A pocos días de la coronación del nuevo Emperador y la Emperatriz, sus siete polluelos reales son secuestrados y depende de un héroe devolverlos sanos y salvos: un repartidor adolescente, Arturo el Chivo. Sus sueños de ser un barbero de talla mundial quedan en suspenso cuando se convierte en padre de la noche a la mañana. Si quiere mantener a salvo a los traviesos niños en su viaje, primero debe madurar, descubrir su propio pasado y, por el camino, despertar a campeones olvidados. ¿Podrá Arturo devolver a los herederos y salvar el reino?
En Cinépolis.
Fuente: Clarín, La Nación, Página 12, Otros Cines.
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